Los diferentes estilos de actuación y la presencia

Jueves 16, viernes 17, sábado 18 de febrero 2017 18:00 hrs. a 20:00 hrs. Salón de Danza, CCU

CATEDRA BERGMAN

Se abordarán  los distintos tipos de actuación moderna, como la actuación con micrófonos, para un registro realista/cotidiano, en oposición a un tipo de actuación más épico o teatralizado. Así mismo se planteará un trabajo corporal, explorando la híper presencia escénica, el gesto pleno, la atención y el ritmo.

 

Impartido por Catherine Marnas

Teatro Nacional de Burdeos en Aquitania (TnBA)

Duración: 9 horas

Dirigido a: Artistas escénicos, estudiantes y egresados de escuelas de teatro.

Cupo máximo: 20 personas

Costo: $500 pesos

Previa inscripción*

Requerimientos: Importante llevar ropa cómoda (sin falda ni tacones)

 

Catherine Marnas

Titulada de una licenciatura en Letras y de un posgrado en Semiología teatral, Catherine Marnas aprendió dirección de actores con dos grandes figuras del teatro contemporáneo, Antoine Vitez y Georges Lavaudant. Al mismo tiempo creó su compañía dramática Parnas, dedicada al repertorio contemporáneo. Su voluntad de enfrentar su teatro con la alteridad y la curiosidad por las demás culturas, la llevan a varias aventuras en el extranjero, sobre todo en Latinoamérica y en Asia. Siempre ha mezclado creación, dirección, transmisión y formación del actor. Desde 2014, es directora del Teatro nacional de Bordeaux (TnBA) y de su escuela nacional, la Escuela superior de teatro de Bordeaux (éstba).

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Juego y encuentro: entrenamiento actoral

Lunes 13, martes 14, Miércoles 15 de febrero 2017 ● 11:00 hrs. a 15:00 hrs. ● Auditorio del MUAC

CATEDRA BERGMAN

Taller

Juego y encuentro: entrenamiento actoral

Imparte: Guillermo Cacace

Duración: 14 horas*

*3 sesiones de 4 horas c/u y conferencia de 2 horas

Dirigido a: Actores, actrices directores y dramaturgos, egresados, estudiantes y profesores de escuelas profesionales de teatro.

Cupo máximo: 25 personas

Costo: $1,800 pesos

50% a estudiantes con credencial vigente

Previa inscripción*

Requerimientos: Los interesados deberán contar con experiencias de teatro o actuación.

– Currículum Vitae.

– Carta de recomendación de la institución de estudios o de profesional del medio.

– Carta de exposición de motivos.

– Carta compromiso de asistir y participar activamente en las fechas y las actividades del taller.

* Todos los documentos deben ser enviados en formato PDF por mail a: catedrabergman@unam.mx

 

 

Objetivos

Compartir conceptos teóricos, técnicos y metodológicos sobre los procesos de entrenamiento para actores a través del juego y el encuentro con los otros, en un programa de trabajo que contempla ejercicios individuales, en dúos y tríos de trabajo, y una conferencia magistral.

 

Guillermo Cacace (Argentina)

Director teatral, y actor egresado de la Escuela Nacional de Arte Dramático y Licenciado en Psicopedagogía de la Universidad Nacional de Lomas de Zamora (UNLZ), especialización en Psicoanálisis. Dirige desde 2003 la sala teatral independiente Apacheta Sala/Estudio.

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Seminario de Producción Técnica

Jueves 16, viernes 17 de febrero 16:00 hrs. a 20:00 hrs. Sala José Revueltas, CCU

 

Este taller estudia el proceso de producción desde un punto de vista técnico y artístico. Abarca las áreas más importantes de organización, administración, operación y logística de cualquier proyecto escénico profesional. Tiene el objetivo de que los participantes comprendan de manera general la importancia y funciones que tiene cada una de las áreas técnicas en el proceso del montaje escénico, los aspectos financieros a considerar en la producción y la importancia de llevar un calendario que responda a las necesidades de cada montaje.

 

Impartido por Pepe Valdés

Duración: 8 horas

Dirigido a: Artistas escénicos, estudiantes y egresados de escuelas de teatro.

Cupo máximo: 50 personas

Costo: $500 pesos

Previa inscripción*

Requerimientos: calendarios vacíos, una página por mes con los meses de julio, agosto, septiembre y octubre 2017, en blanco.

 

Pepe Valdés

Pepe ha destacado en la producción teatral especializándose en Dirección Técnica, Stage Management y Production Management. Es egresado en Producción Técnica de la Escuela Nacional de Teatro de Canadá. Realizó prácticas profesionales internacionales en Music Man, Jersey Boys y dos espectáculos del Cirque du Soleil. Algunos de sus créditos incluyen: Billy Elliot, El Joven Frankenstein, La Dalia Negra, Los Locos Addams, Spamalot, 3 Días en Mayo, Godspell, Teatro Milán/Foro Lucerna y Brokers. Productor de Eres Bueno, Charlie Brown. Tracking de Iluminación Automatizada en: El Rey León. Dirige el despacho de producción Inside The Box el cual provee servicios de producción técnica y capacitación en diferentes áreas de la producción teatral.

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Teatro físico: conciencia, disponibilidad y capacidad de respuesta en el espacio dinámico

Viernes 17, sábado 18, domingo 19 de febrero 10:00 hrs. a 13:00 hrs. Salón de Danza, CCU

El taller se centra en la transformación del cuerpo cotidiano al cuerpo escénico, y la transmutación del espacio escénico en espacio dinámico. A través de los sentidos llegamos a una conciencia del espacio interior que se traduce en una conciencia del espacio exterior, y a una disponibilidad y capacidad de respuesta que transforman el espacio escénico en espacio dinámico.

 

Imparte: Laura Muñoz (España-Estados Unidos)

De´ll Arte International-School of Physical Theatre

Duración: 9 horas

Dirigido a: Artistas escénicos, estudiantes y egresados de escuelas de teatro.

Cupo máximo: 25 personas

Costo: $500 pesos

Previa inscripción*

Requerimientos: Ropa de trabajo

 

Laura Muñoz

Artista escénica nacida en España, actualmente radica en el Norte de California. Graduada por Humboldt State University (Arcata, California), the Moving On Center (Oakland, California), alumna del School for New Dance Development (Amsterdam), y poseedora de varias titulaciones en Yoga. Sus últimos trabajos como educadora han sido como “core faculty” en el programa de maestría de tres años para actores y directores en Brown University (2006-9) y actualmente en Dell’Arte International, en Blue Lake, California. Laura no es sólo docente en esta escuela de teatro físico, también es parte de la compañía, como actriz, coreógrafa y creadora. Es en Dell’Arte donde ha realizado sus mejores trabajos de interpretación y creación.  Paradise Lost (en tres partes), La Bottega da Café, Mary Jane the Musical (del que también se ha filmado una versión para cine que se estrenará en el otoño de 2016), son algunos ejemplos de estos trabajos.

Su último proyecto, Elizabeth’s Book, es un trabajo ideado por las tres protagonistas del mismo, y está a la espera de salir de gira.

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Máscara corporal Los diferentes estilos de actuación y la presencia

Jueves 16, viernes 17, sábado 18 de febrero 15:00 hrs. a 19:00 hrs. Salón de ensayos del Teatro Juan Ruiz de Alarcón, CCU

 

El taller tiene como objetivo el conocimiento, la concientización y la confianza del cuerpo: en el propio y en el de los otros. Los ejercicios de confianza y de mecánica corporal son constantes y en conjunto con el proceso de la máscara corporal, tienen el objetivo de lograr una conciencia total en la interpretación. La máscara que significa personaje en griego, lleva un proceso largo y complejo que tiene un punto de partida muy particular, distinta al de la danza e incluso a la del teatro y por ello importante de investigar. Ello está dirigido a la creación de un personaje o a la transformación, física y corporal del intérprete para poder representar a otro ser. Sin embargo, siempre la técnica es susceptible de darse para tener un acercamiento importante a este proceso. La impartición del taller práctico es parte intrínseca de la postura “teórico-intelectual” de los procesos creativos en Foco alAire. Para nosotros, estos dos ámbitos son indisolubles, es decir, el terreno práctico-corporal queda sin sentido si no está sustentado por la postura del pensamiento. Con ello queremos decir que el pensamiento debe regirse por la acumulación del conocimiento sobre el arte en general: artes plásticas, visuales, música, sonoridad, cine, literatura, postura estética o filosófica e incluso, de otras muchas vertientes de la cultura o del mundo de las ideas.

 

Impartido por Marcela Sánchez Mota

Duración: 12 horas

Dirigido a: Artistas escénicos, estudiantes y egresados de escuelas de teatro.

Cupo máximo: 15 personas

Costo: $500 pesos

Previa inscripción*

Requerimientos: Ropa negra suelta, manga larga, sin escotes, sin marcas, sin etiquetas o rayas de otros colores; y cuaderno de anotaciones. De modo opcional: lectura previa del libro Zen en el arte del arco y la flecha de Eugen Herrigel con la Introducción de D.T. Suzuki.

 

Marcela Sánchez Mota

Escritora, directora escénica, intérprete y bailarina, socióloga. Imparte talleres de máscara corporal desde 1984, al tiempo que es intérprete en Utopía danza-teatro desde 1980. A la par, decide incursionar en la literatura. Fue acreedora del Premio de Cuento Casa Lamm, del Premio de cuento “Ojos y Tacto” de la UNESCO, Premio Juan Rulfo de Bellas Artes a Primera Novela 2010.

Premio Nacional de Danza INBA-UAM-UNAM 2012. Actualmente continúa en la escritura y dirige Foco alAire junto con Octavio Zeivy desde el 2007.

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Nacimiento del personaje: de la neutralidad a la metamorfosis corporal

Jueves 16, viernes 17, sábado 18 de febrero 2017 15:00 hrs. a 18:00 hrs. Salón de Danza, CCU

 

Este taller propone la creación de personajes a partir del trabajo corporal en la interpretación escénica. Este lenguaje, junto con la palabra, revela el alma del personaje para que éste se torne en una experiencia teatral.  Durante estas sesiones se abordarán diferentes procesos de creación de personajes, basados en los conceptos y principios del arte de la mímica y el gesto contemporáneo y el análisis del movimiento (Decroux, Omnibus, Laban). Los participantes explorarán los diversos registros del juego, el estudio de los impulsos, la estructura de la invisibilidad del cuerpo y la relación con ellos mismos y con los otros en la escena. El acercamiento pedagógico está fundado, simultáneamente,  en el trabajo de control corporal y en el aspecto lúdico de la creación.

 

Imparte: Francine Alepin (Canadá)

Facultad de Artes de la Universidad de Quebec en Montreal (UQAM).

Duración: 9 horas

Dirigido a: Artistas escénicos, estudiantes y egresados de escuelas de teatro.

Cupo máximo: 20 personas

Costo: $500 pesos

Previa inscripción*

 

Francine Aletín

Se ha dedicado al teatro físico durante más de treinta años. Después de trabajar con Paul Buissonneau en La Caravana (1977 a 1980), completó sus estudios en la l’École de mime de Montreal, donde enseñó desde 1986 hasta 2007. En 1981 comenzó una larga aventura artística con la Compañía Omnibus, en donde interpretó a más que de sesenta papeles con diferentes diseños de estética. Crea y juega bajo la dirección de Jean Asselin, Markita Boies, Daniel Brière, Marie-Eve Gagnon, Aline Gélinas, Alexis Martin, Gilles Maheu, Jean-Pierre Ronfard, Robert Gravel y Jan Ruts.

Paralelamente a su carrera ininterrumpida de interpretación y creación, realizó estudios avanzados en teatro (UQAM) y análisis de movimiento (Movimiento Certificado fines de análisis de Laban / Bartenieff Institute of Movement Studies de New York).

Su conocimiento del cuerpo en el escenario hace de ella una especialista en la dirección del movimiento reconocido por grandes directores de escena, como Martine Beaulne y Alexis Martin (TNM). Sus creaciones y sus producciones, caracterizadas por el trabajo físico del actor, la han llevado a ser reconocida internacionalmente. Fue directora artística de la Escuela Superior de Teatro de la UQAM (2007-2011).

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Lenguaje poético y relato histórico para actores y directores

Martes 14, miércoles 15, jueves 16 de febrero 10:00 hrs. a 13:00 hrs. Salón de Danza, CCU

Se busca mediante una serie de ejercicios y propuestas creativas el trabajo sobre hechos históricos locales, desde distintos lenguajes poéticos. Cuando lo histórico es tan atroz que no puede narrarse, el lenguaje teatral aporta sus posibilidades estéticas que permiten hablar de aquello innombrable.

Imparte: Nicolás Lisoni (Argentina)

Diplomatura en Dramaturgia del Centro Cultural Paco Urondo, Universidad de Buenos Aires

Duración: 9 horas

Dirigido a: Artistas escénicos, estudiantes y egresados de escuelas de teatro

Cupo máximo: 20 personas

Costo: $500 pesos

Previa inscripción*

 

Nicolás Lisoni

Actor, director y productor. Prof. Superior y Lic. en Artes (UBA), Especializando en Gestión Cultural y Políticas Culturales (IDAES-UNSAM), Responsable de Programación Y Producción del Centro Cultural Paco Urondo (FyL-UBA), Es docente de la Materia dirección de actores de la Universidad del Cine (FUC) Docente de Teatro y  Gestión (UBA) Gestor, coordinador académico  y docente de la Diplomatura en Gestión de Proyectos Culturales (CCPU-FyL-UBA)y  Gestor Coordinador académico y docente de la Diplomatura en Dramaturgia (CCPU-FyL-UBA).Es Coordinador del Área de Políticas Culturales y Gestión vinculadas a las Artes Escancias del Instituto de Artes del Espectáculo ( IAE -FyL-UBA)  Como actor se ha formado con Jorge Montoya, Raul Serrano y Pompeyo Audivert  entre otros. Como productor ha realizado y participado en numerosas obras, ciclos, festivales y congresos.

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Herramientas de negocios para gestores y artistas

Lunes 13, martes 14, miércoles 15 de febrero 15:00 hrs. a 18:00 hrs. Salón de Ensayos del Teatro Juan Ruiz de Alarcón

Se proponen sencillas herramientas del ámbito de los negocios y la administración extremadamente útiles para poder hacer proyectos sustentables y provechosos, entendiendo mejor qué hacemos, para quién y de qué manera potenciarlo.

Imparte: Brenda Berstein (Argentina)

Diplomatura en Dramaturgia del Centro Cultural Paco Urondo, Universidad de Buenos Aires

Duración: 9 horas

Dirigido a: Artistas escénicos, estudiantes y egresados de escuelas de teatro

Cupo máximo: 15 personas

Costo: $500 pesos

Previa inscripción*

 

Brenda Berstein

Maestra en Educación Musical (Conservatorio Superior de Música “Manuel de Falla”), Licenciada en Artes (Fac. Filosofía y Letras, UBA), Especialista en Administración de Artes del Espectáculo (Fac. Cs. Económicas, UBA), Especialista Superior en Enseñanza de la Música para la Educación Especial (Conservatorio de la Ciudad “Astor Piazzolla”), Magister y Supervisora en Terapia no verbal Modelo Benenzon (Fundación Benenzon) y Técnica Superior en análisis e intervención en los campos grupal, institucional y comunitario (Primera Escuela Privada de Psicología Social). Trabajó como docente en los diferentes niveles de enseñanza desde jardín maternal a terciarios/universitarios y en Centros Culturales. Se ha dedicado a la producción artística musical y teatral, siendo además manager de variados artistas. Trabajó en Secretaria de Cultura de la Nación y desde 2006 es Asistente General de la Asociación Argentina de Empresarios Teatrales. En la actualidad es docente en la Licenciatura en Gestión de Medios y Entretenimientos (UADE), en la Diplomatura en Gestión y Producción Cultural del C.C. Paco Urondo (UBA) y en la Especialización en enseñanza de la Música para la Educación Especial (Conservatorio de la Ciudad “Astor Piazzolla”). Es gestora, coordinadora académica y docente de la Diplomatura en Dramaturgia (CCPU-FyL-UBA) e investigadora en el Instituto de Artes del Espectáculo (FyL, UBA). Escribe para la revista del Teatro Colón, Cantabile y otras publicaciones especializadas y ha publicado artículos a nivel nacional e internacional. Participa en Encuentros y Congresos de su especialidad y da cursos de capacitación en temáticas vinculadas a la gestión cultural y el desarrollo de proyectos.

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Presencia: la captura de la mirada

Lunes 13 al viernes 17 de febrero 2017 11:00 a 14:00 hrs. Explanada de la Fuente del CCU

El taller se enfocará en trabajar con los principios pre expresivos comunes tanto en las expresiones teatrales de calle como de sala para capturar la atención del espectador en una instancia previa a las estructuras dramáticas convencionales. streaming

Imparte: Bruno Bert

Duración: 15 horas

 

Dirigido a: Artistas escénicos, estudiantes y egresados de escuelas de teatro. Mayores de 18 y menores de 35. Preferentemente con entrenamiento físico previo

Cupo máximo: 25 personas

Costo: $500 pesos

Previa inscripción*

Requerimientos: Ropa de trabajo, dos varas de bambú del grosor dl meñique de alrededor de 1.20 m por persona, una cuerda de algodón delgada y resistente de 1.20 m, un fragmento de barra de danza de 30 cm de longitud y aproximadamente 4 cm de ancho.

 

Bruno Bert

Reside en México desde 1982. Ha sido tres veces presidente de la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro (AMCT). Socio fundador de la Asociación Mexicana de investigación Teatral (AMIT). Director artístico del Festival Internacional de Teatro de Calle con sede en Zacatecas. Profesor de Actuación en la Escuela Nacional de Arte Teatral (INBA). Crítico teatral de la revista Tiempo Libre y diversas publicaciones internacionales (Primer Acto, de España; Teatro Celcit, de Argentina, etc.) Fue responsable del Programa Nacional de Fomento y Profesionalización de Teatro de Calle (INBA). Miembro fundador de la Escuela del Espectador. Fue coordinador de Intercambios Internacionales de la Escuela Nacional de Arte Teatral (INBA) para la Asociación Internacional de Escuelas Superiores de Teatro. Es director de teatro, especializado en el área de espacios abiertos, con alrededor de 50 espectáculos en su haber.

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De la materia a la forma. Una introducción al Teatro Visual

Domingo 12, lunes 13, martes 14, miércoles 15 de febrero de febrero 11:00 hrs. a 14:00 hrs. Salón de Ensayos del Teatro Juan Ruiz de Alarcón

Uno de los fenómenos que marcaron el teatro en el inicio del siglo XX, fue la aproximación con las artes plásticas. Tal aproximación repercute hasta la actualidad por medio de innumerables manifestaciones artísticas, que buscan constantemente el desarrollo de lenguajes cada vez más renovadores. El teatro es, antes de todo e independientemente de cualquier envolvimiento activo, una experiencia visual. El Teatro Visual surge como un lenguaje teatral marcado por el hibridismo, o sea; un lenguaje que actúa en la interface del teatro con las artes visuales que coloca en escena diversos elementos conjugados en el mismo nivel de existencia poética que el artista, como son: muñecos, objetos, actores, imágenes, etc.

El taller propone el desarrollo de un trabajo que a partir del manoseo de la materia prima (papel, cinta adhesiva, barbante y madera, etc.), donde la forma teatral resulta de la exploración máxima del poder expresivo de cualquier substancia, que en la escena pasará a ser entendida como esencial. La materia prima al ser manipulada visualmente se torna la esencia del juego teatral.

Imparte: Wagner Cintra (Brasil)

Universidad Estatal Paulista (UNESP)

Duración: 12 horas

Dirigido a: Artistas escénicos, estudiantes y egresados de escuelas de teatro.

Cupo máximo: 15 personas

Costo: $500 pesos

Previa inscripción*

Requerimientos: Por participante: un rollo de papel craft; dos cintas adhesivas para embalaje color café craft; dos rollos de cinta adhesiva crepé color blanca; tijetas; un rollo de cordel.

 

Wagner Cintra

Graduado en Dirección teatral, Maestría y Doctorado en Artes Escénicas, todos realizados en ECAUSP (Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo). Es docente en la silla del Laboratorio de Formas Animadas y Visualidades en el Departamento de Artes Cênicas do Instituto de la UNESP, donde fue coordinador del curso de Licenciatura en Arte- Teatro de 2008 a 2012. Su trabajo se orienta al estudio teórico/práctico de aquello que serían las presuposiciones esenciales del lenguaje del Teatro Visual, una disciplina del Teatro de Formas Animadas que articula en escena, en el mismo nivel de igualdad, marionetas, objetos, materias diversas, más allá de la presencia del actor. Como director teatral dirigió en cerca de 80 espectáculos en 30 años de carrera. Es el actual Vice- Director del Instituto de Artes de la UNESP (2016-2020).

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Escritura teatral La dramaturgia como dispositivo de pensamiento

Sábado 11, domingo 12 y lunes 13 de febrero 18:00 hrs. a 21:00 hrs. Salón de Ensayos del Teatro Juan Ruiz de Alarcón

El taller se propone indagar sobre determinados mecanismos que se utilizan en el proceso creativo dramatúrgico. La intención será brindar una serie de herramientas y ejercicios que nos permitan reflexionar de modo consciente sobre la actividad. -La escritura teatral como dinámica de lo impensado, el pasado en el presente escénico, estructura dramática, personaje, conflicto-, serán los ejes y temas para transitar el trabajo de un dramaturgo en su producción de forma y pensamiento.

Imparte: Leandro Airaldo (Argentina)

Diplomatura en Dramaturgia del Centro Cultural Paco Urondo, Universidad de Buenos Aires

Duración: 9 horas

Dirigido a: Artistas escénicos, estudiantes y egresados de escuelas de teatro.

Cupo máximo: 15 personas

Costo: $500 pesos

Previa inscripción*

 

 

 

Leandro Airaldo

Leandro Airaldo es dramaturgo, actor y director teatral argentino. Egresado en dramaturgia de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático, bajo la dirección de Mauricio Kartun. En Buenos Aires   ha estrenado diversos espectáculos teatrales. Su texto “Sobre el daño que causa el olvido” ha sido seleccionado para participar en Idéntico II dentro de Teatro por la Identidad 2014. Su texto “Abrakadabra” obtuvo una mención en la IX edición del Premio “Germán Rozenmacher” de Nueva Dramaturgia. Su texto “Enamorarse es hablar corto y enredado” obtuvo el primer lugar en el Torneo de dramaturgia transatlántico Argentina vs Cataluña desarrollado en el festival Temporada Alta en el teatro Timbre 4. En la actualidad dirige un texto de autoría propia a estrenar a mediados de 2017. Trabaja como autor dentro del Estudio de Entrenamiento Actoral de Julio Chávez. Ha coordinado y continúa coordinando talleres de escritura teatral de manera privada y en distintos centros culturales de Argentina. Realiza la Diplomatura en Dramaturgia de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires.

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Claves para comprender el teatro latinoamericano contemporáneo

Jueves 16, viernes 17, sábado 18 de febrero 10:00 hrs. a 14:00 hrs. Sala Carlos Chávez, CCU

Preguntarse cómo leer el presente, el pasado inmediato del teatro actual y el teatro contemporáneo. Revisar la noción de contemporaneidad en la filosofía e hilvanar tendencias. ¿Es posible una visión de conjunto? ¿Un teatro “sin todo”? Comprender el lugar del teatro en el mundo actual: convivio y tecnovivio, territorialidad, cuerpo- Describir la escena aurática y la escena neotecnológica, caracterizar la cartografía radicante, la serendipia y la heurística, cuestionando la originalidad y la antropofagia teóricas.

 

Impartido por Jorge Dubatti, Luis Conde, Rosa María Gómez y Dindanwy Kent

Duración: 12 horas

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Jorge Dubatti

(Buenos Aires, 1963). Crítico, historiador y docente universitario especializado en teatro. Doctor (área de Historia y Teoría de las Artes) por la Universidad de Buenos Aires. Premio Academia Argentina de Letras al mejor egresado 1989 de la Universidad de Buenos Aires. Es profesor adjunto regular (a cargo) de Historia del Teatro Universal (Carrera de Artes, UBA). Dirige el proyecto de investigación UBACyT “Historia del Teatro Universal y Teatro Comparado: origen y desarrollo del teatro de la vanguardia histórica (1896-1939)”. Coordina el Área de Investigaciones en ciencias del Arte (AICA) en el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini. Fundó y dirige desde 2001 la Escuela de Espectadores de Buenos Aires, que cuenta con 340 alumnos.

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Luis Conde

Maestro en Historia del Arte titulado con mención honorífica por el Instituto de Investigaciones Estéticas y la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Licenciado en Escenografía por la Escuela Nacional de Arte Teatral. Ha colaborado como productor y diseñador de escenografía, iluminación y vestuario para más de 40 proyectos en conciertos, teatro, danza, circo, cine y televisión. Es autor del libro, Espacio escénico y poder. Fiestas novohispanas. Siglos XVI y XVII, publicado por la editorial Libros de Godot. Ha participado en coloquios y congresos en México y el extranjero, con trabajos dedicados al teatro contemporáneo y los espacios escénicos novohispanos. Imparte clases a nivel licenciatura y maestría en el Centro Morelense de las Artes. Forma parte de los Comités Ejecutivos de la Asociación Mexicana de Investigación Teatral (AMIT) y del Seminario Permanente de Estudios de la Escena y el Performance (SPPEP), UNAM.

 

Rosa María Gómez Martínez

Profesora del Colegio de Literatura Dramática y Teatro en las asignaturas de Actuación, Historia del Arte Teatral 1 y 2, Corrientes escénicas contemporáneas y la asignatura Historia del Arte Teatral Iberoamericano Contemporáneo. Cuenta con una Maestría en Historia del Arte por parte de FFyL de la UNAM; y con la licenciatura en Historia del Arte de la U.I.A., así como una licenciatura en Actuación por parte de la Escuela Nacional de Arte Teatral.

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Didanwy Kent

Nacida en 1979, tiene estudios de Letras Modernas Italianas en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, maestría en Historia del Arte en el Posgrado de la misma institución y candidata a doctor del mismo programa. Actualmente se desempeña como docente en el posgrado de Arte y Diseño de la UNAM. Sus temas de interés han girado en torno a las diversas manifestaciones de las artes escénicas en particular la ópera, pero también las prácticas artísticas contemporáneas. De manera especial le interesa el desarrollo de los planteamientos teóricos, metodológicos y filosóficos relacionados con dichas artes. Miembro fundador y coordinadora del Seminario Permanente de Estudios de la Escena y el Performance (SPEEP). Entre sus últimos trabajos se encuentran la tesis de maestría “La permanencia de Don Giovanni en dos mundos: disertaciones estéticas sobre un discurso trágico-cómico en la ópera” y el artículo “Donna Giovanni y la performatividad simbólica del deseo” de reciente publicación. Actualmente desarrolla su proyecto doctoral “«Resonancias» de la promesa: «ecos» y «reverberaciones» del Don Giovanni. Un estudio intermedial de los desplazamientos de la imagen.

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Watch Movie Online The Fate of the Furious (2017)

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The Fate of the Furious (2017) HD

Director : F. Gary Gray.
Writer : Chris Morgan.
Producer : Vin Diesel, Neal H. Moritz, Michael Fottrell.
Release : April 12, 2017
Country : United States of America.
Production Company : Universal Pictures, Original Film, One Race Films.
Language : English.
Runtime : 136
Genre : Action, Crime, Thriller.

Movie ‘The Fate of the Furious’ was released in April 12, 2017 in genre Action. F. Gary Gray was directed this movie and starring by Vin Diesel. This movie tell story about When a mysterious woman seduces Dom into the world of crime and a betrayal of those closest to him, the crew face trials that will test them as never before.

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Cuerpo, memoria y espacio

Martes 14 de febrero 2017 18:00 hrs. Foro Sor Juana Inés de la Cruz

Miércoles 15 de febrero 2017 12:00 hrs. Sala Carlos Chávez

Conferencias Magistrales de la

Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro UNAM

XXII sesión: CUERPO, MEMORIA Y ESPACIO

En colaboración con el Festival Internacional de Teatro Universitario, la Dirección de Teatro UNAM, la Embajada de Francia en México y el Instituto Francés de América Latina

Imparten:

Guillermo Cacace: “Potencias de lo abierto en el trabajo actoral”. Martes 14

Catherine Marnas “Contexto actual del teatro francés y perspectivas”. Miércoles 15

 

Martes 14 Movie Rings (2017)

Potencias de lo abierto en el trabajo actoral.

La libertad y autonomía actoral se conjugan en el teatro con la búsqueda y construcción de personajes. Las posibilidades creativas del trabajo en la escritura de las historias se multiplican con las visiones y encuentros entre los directores y los intérpretes. La potencia de las palabras y los gestos, permite superar lugares comunes e internarse en dimensiones desconocidas en el escenario.

Guillermo Cacace (Argentina)

Director teatral, y actor egresado de la Escuela Nacional de Arte Dramático y Licenciado en Psicopedagogía de la Universidad Nacional de Lomas de Zamora (UNLZ), especialización en Psicoanálisis. Dirige desde 2003 la sala teatral independiente Apacheta Sala/Estudio.

 

Miércoles 15

Contexto actual del teatro francés y perspectivas.

Catherine Marnas (Francia)

En su vasta trayectoria como profesora y directora de escenas, descubrir paisajes de escritores y dramaturgos de su país y con diálogos entre culturas asiáticas, latinoamericanas y europeas para tejer representaciones acerca de la memoria colectiva y estimular la multiplicidad de los actores para lograr una enorme gama de personajes en sus piezas. El modelo francés de difusión y creación permite mantener un diálogo entre la tradición y la experimentación artística.

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